6.06.2014

MORADA, de Rosario Trillo







El paso de los años parece consolidar la dura tipología habitacional de los barrios de la periferia; entes vivos que han ido adecuando su crecimiento orgánico y descontrolado al cambio social y generacional de miles de habitantes desplazados desde los años del desarrollismo. Ciudades encerradas en sí mismas, en su realidad aislada…  Este ensimismamiento, que se mueve entre perversas políticas de falso progreso, se ha traducido finalmente en muros virtuales que encierran sus guetos.
En palabras de Kenneth Frampton, “El crecimiento sin límites no hace ciudades. Es un reflejo del consumismo…”
Rosario Trillo constata esta realidad con una mirada inteligente y esclarecedora de lo que es y no de lo que debería ser. Bajo un punto de vista, sin duda político, pero también sentimental, la exposición que ahora presentamos pone el dedo en la llaga y va más allá del hecho físico que se descubre entre el caos y la fealdad.
El reciente trabajo de Rosario Trillo, asegurado por una trayectoria artística sólida y más coherente de lo común, no obstante, emprende ahora un cambio de rumbo estilístico desde la éica y la conciencia social, desde lo entrañable de la nostalgia universal de ser humano, a la sórdida realidad.    
Prejuicios fuera para llegar a nuestra exposición número treinta con esta muestra de dibujos, maquetas y una gran impresión digital sobre papel de plano, que podrá verse hasta entrado el verano.      
Braulio Rodríguez 

“De regreso a la morada, ahora ya con conciencia espacial, intento descubrir la belleza que se esconde detrás de lo homogéneo y despiadado de los océanos de bloques que inundan el extrarradio. Los edificios de la periferia y sus espacios sociales, el ámbito natural de la clase media, edificaciones donde no se tuvo en cuenta la proxémica y que no son sino una metáfora de la rutina y la domesticación, además de una especie de taxonomía que favorece el control de los que allí moran. El espacio del que, de manera ingenua, intentamos apropiarnos (aunque nos haya sido impuesto) y que condiciona nuestra conducta. 
Imagino cómo se podría manipular este espacio de acuerdo con la realidad social del contexto. 
De esta idea surge una serie de dibujos y maquetas que remedan el delirio de la arquitectura paisajista de parterres (propio de la realeza y la aristocracia) pero llevados a barrios bajos y cuyo diseño imita la geometría molecular de algunas de las drogas que se consumen habitualmente en ellos.” Rosario Trillo

DEL 7 DE JUNIO AL 16 DE JULIO



4.25.2014

EN KOBENHAGEN / UN COPENHAGUE by Maj Persdatter







La belleza secreta de los textiles orientales, del estudio y la etnografÍa desde la visión de un europeo abarca una investigación compleja pero llena de significados, casi criptográfica y envuelta en halos de misterio que nos cautivan por estas latitudes. Incluso más, tratándose de una artista danesa cuyas fronteras no rozan, como nosotros, otra civilización continental como la oriental y su influencia histórica en nuestra sociedad y nuestra cultura. Por ello es por lo menos fascinante, además de inquietante, el trabajo de Maj Persdatter. Su aportación al universo que envuelve la imaginería de la tradición textil oriental es el motivo de la serie EN KOBENHAGEN, como expresión cultural muy específica y lejana de la tradición europea, más ocupada en el ornamento decorativo. 
A través de lenguajes escondidos pero presentes, extrae y codifica, mediante un lenguaje actual de formas y colores, mensajes que van más allá del folcklorismo y que la llevan a la comprensión expresiva de la alfombra oriental y su mundo narrativo, tan diferente al nuestro. 
espacioBRUT tuvo el placer de descubrir y de invitar a Maj Persdatter a traer a Madrid este genial trabajo y a mostrarlo por primera vez fuera de Dinamarca. Nosotros se lo agradecemos y pensamos que no es habitual una exposición de estas características. 
Además de los textiles impresos sobre algodón, que constituyen la serie que da título a la muestra, la serie THIS HOLY PLACE puede fascinar a quien busque una expresión más gráfica y familiar, a través de la impresión sobre papel, de los mundos por los que discurre la iconografía colorista y geométrica de las alfombras orientales combinada con figuras antiguas de culturas primitivas. Un Santo Lugar, un estado de ánimo para la contemplación… En definitiva, una visión tan refinada de la cultura ancestral universal que muchos deberían al menos conocer. Por ello, os invitamos a descubrir ambos argumentos en nuestro espacio en estos días de primavera.
Braulio Rodríguez 

“He estado trabajando durante años sobre la alfombra oriental tradicional; tratando de crear una alfombra moderna, con nuevas técnicas. Fascinada no sólo por su belleza y su técnica, sino también por su extraña estética, que tanto me atrae como me repele y que dista mucho de la de estilo escandinavo con que me crié.” Maj Persdatter

3.13.2014

LA LLAVE DEL CIELO ES EL TEMPLO DE NUESTRO CUERPO, de José M. Hortelano-Pi






…Física, química, relaciones matemáticas, metafísica, magia… Todo está tan interrelacionado en la naturaleza que el ser humano podría fácilmente ser considerado como un simple mineral a estos niveles. Reducido a este escalón de entendimiento es cuando surge el punto de partida del argumento que Hortelano-Pi presenta en nuestra siguiente exposición. Se trata de una visión más mística. De una cosmogonía gráfica, nace un corpus bien estructurado desde un universo propio que surge con la necesidad evolutiva del artista. Conocíamos a un retratista fiel, desde su deslumbrante habilidad como dibujante, constatando el último detalle, hasta adoptar un lenguaje más suelto, más naturalista, pero sin permitirse imperfecciones; hemos percibido en él un cambio natural y saludable, seguramente orientado a un futuro profesional casi definitivo, dentro de lo que su juventud permite...
La secreta conexión entre las obras constituye el nudo argumental de este proyecto, meditado y razonado durante estos pasados meses por un autor centrado siempre en la calidad de lo que emprende.

espacioBRUT celebra la llegada de la primavera con esta muestra vitalista y honesta, sencilla, pero a la vez compleja, a través de una docena de dibujos realizados sobre papel, con técnicas que van desde el dibujo a lápiz, la acuarela, la tinta. En ella se suceden imágenes antropomórficas, familiares a nosotros y otras más lejanas pero reconocibles en lo más profundo de nuestro entendimiento.

“Durante el œltimo año he pasado por un proceso de trasformación física y espiritual. He perdido todo el pelo de mi cuerpo y a la vez me he vuelto a conectar a conceptos que tenía olvidados pero que siempre me han interesado. La naturaleza, la genética, la astrofísica y la antropología son materias que desde pequeño me han fascinado. Con esta muestra de dibujos quiero volver a recuperar esos temas e intentar conectar mi cuerpo con los animales, las plantas y las estrellas. Es un pequeño renacer a una nueva temporada de mi vida con dibujos de trasformación y vitalidad que espero motiven a los que lo vean a fomentar su polaridad positiva”.


__José Manuel Hortelano-Pi. Murcia, 1979.
Ilustrador y retratista desde hace casi 10 años. De formación prácticamente autodidacta, su experiencia la ha ido ganando trabajando para revistas como Rolling Stone, Calle 20 o El País. 
Su obra se centra en el retrato, al que dedica gran parte de su actividad actual. Una muestra de su trabajo se ha visto en exposiciones como "Voy a tener Suerte" (MUTT, Barcelona, Marzo 20011), "Landscapes" (Atenas, Febrero 2012) o la retrospectiva que se hizo de su obra en La Rambleta, Valencia, en Junio del año pasado.
Ha publicado dos libros con la editorial Romboide, "Onán" (ganador de un LAUS de Plata en el 2011) y "Landscapes" con los dibujos de su primera exposición internacional.
La cerámica y la videocreación es también parte de su trabajo. Su colección de cerámicas "DEN" en colaboración con el Centro Cerámico de Talavera o los cortos de animación que está preparando son muestra de su diversidad artística.




2.06.2014

espacioBRUT participa en Box_Pop





RETRATO DE DORIAN es el título bajo el cual espacioBRUT interviene en la actual edición de Box_Pop, en DIMAD. En esta tercera edición, comisariada por Lucinda Morrisey y con el tema Forever Young, participa junto a otros cuatro estudios.

Se trata de una visión conceptual de la eterna juventud a través de nuestra interpretación plástica del personaje de la novela de Wilde y su relación con el espacio que proponemos.

Como estudio de diseño, interiorismo y galería de arte, concebimos el proyecto desde el punto de vista multidisciplinar, mediante una maqueta a escala 1:10 de un lugar imaginario delimitado por el espacio del cajón. Es casi un santuario donde contemplar el retrato en un interior, de planta rectangular áurea, ocupado sólo por una de nuestras sillas delante del cuadro, obra de José Manuel Hortelano-Pi y una celosía lateral que envuelve el espacio. 
La viruta de madera que lo rodea bien puede representar la piedra del lugar, el mar en que queda atrapado un pedazo de tiempo. 


RETRATO DE DORIAN PORTRAIT OF DORIAN is the title under which espacioBRUT involved in the current issue of Box_Pop in DIMAD . In this third edition , curated by Lucinda Morrisey and below the theme Forever Young, we participate with other four studies.

This is a conceptual vision of eternal youth through our plastic portrayal of Wilde 's novel and its relation to space that we propose.

As a design and interiors architecture studio and art gallery, We conceived the project from the multidisciplinary perspective , using a 1:10 scale model of an imaginary place delimited by a wooden box space . It's almost a sanctuary where you can contemplate the portrait in an aureum rectangular shape interior, occupied only by one of our chairs in front of the picture , painted  by José Manuel Hortelano -Pi and a lateral lattice that surrounds the space .
The wood chips surrounding it may represent stone , as the sea that remains trapped in a piece of time .

1.30.2014

espacioBRUT presenta CANDELA, de Justine Foord



©JUSTINE FOORD 2013

Qué tiene de extraño suponer que un paisaje, un fragmento de la vida cotidiana en un campo de cañas de azúcar, en Cuba, fotografiada con un teléfono, fuese el argumento para hacer una exposición al otro lado del océano. Quizá captar ese momento, en que el fuego devora los campos antes de la recolección de la caña, resulte raro en otras latitudes. Justine Foord estaba allí y lo que tiene de particular es haber atrapado con un iPhone el espíritu casi místico de la unión entre el fuego y el cielo, del horizonte, la carretera y la línea de los campos.     
A partir de aquí el proceso es laborioso pero va perfilándose en la pantalla del ordenador mediante un cuidado proceso. Ahí es donde Justine lleva a su terreno el resultado final de la experiencia; una labor de años y el crecimiento de un sentimiento que subyace en cada una de las fotografías que presentamos; un sentimiento que le ha acompañado desde el mismo viaje a la isla donde la fuerza del trabajo de los hombres, el calor de las llamas y el inmenso cielo roto, quebrado por las nubes, pudo producir en ella una experiencia catártica y difícil de reproducir en nuestro mundo.
El retoque digital destapa, capa por capa, todas esas sensaciones y huellas que el trabajo, la rabia y el sufrimiento de una sociedad empobrecida colorean en cada píxel.
espacioBRUT exhibe CANDELA en doce fotografías panorámicas, impresas sobre papel Luster y una sobre gesso y aluminio. Espectacular, intensa.
Braulio Rodríguez

Conocí a Justine hace ya diez años, fue lo que llamaríamos amor a primera vista. Yo acababa de llegar a Londres, era mi primer día de trabajo con los fotógrafos Mert y Marcus. Justine llamó mi atención inmediatamente. Es una de esas personas carismáticas que uno encuentra en el camino de la vida, risueña y sensible; desprendía ese “je ne sais quoi” por el que siempre me he sentido atraído. Después de dos años, Justine decide comenzar su carrera en solitario, perdiéndole el rastro durante algo más de seis meses. Y la vida vuelve a juntarnos mientras caminamos por el Soho de Londres. Le escribía un mensaje de texto y sin haberlo terminado, allí mismo nos reencontrábamos. Desde aquel momento no nos hemos separado; durante los últimos 7 años hemos sido y somos amigos, compañeros de piso y  de trabajo. 
Necesitaría un libro para escribir sobre Justine: fue uno de los pilares más importantes al comienzo de mi carrera y su sensibilidad artística siempre será para mí una fuente de inspiración. Su visión de la vida, su pasión por la fotografía y el color, su entendimiento de lo humano, la convierten en una artista íntegra.
CANDELA es una obra conmovedora y, como gran conocedor personal de la artista,  llena de trocitos de Justine, de  fuego, de color, de pasión y de su profundo amor por Cuba. Una celebración de su visión que no cesa de alimentar la de otros.
Miguel Reveriego


Justine Foord vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. Nació en el sur de Inglaterra y tiene una fuerte conexión emocional con Cuba, donde CANDELA vió la vida. La carrera de Justine con éxito comercial en la foto aerografía (retoque), estableció estrechas colaboraciones con los mejores fotógrafos de moda/belleza y celebridades del mundo, por nombrar algunos, Miguel Reveriego, Mert and Marcus, Patrick Demarchelier, Sølve Sundsbø, Bryan Adams, Steven Meisel, Mario Testino y Terry Richardson. El trabajo comercial de Justine es reconocido por su aguda sensibilidad a las variaciones infinitesimales de la transmutación del color. CANDELA es su primera exposición individual de la serie fotográfica original .


PRODUCCIÓN: FACTUM arte.
AGRADECIMIENTOS: Damían López, Rafa Rachewsky

1.16.2014

A FAMILY by Minjia Wang






Minjia Wang ha trabajado en este proyecto durante su estancia en la Musashino Art University de Tokyo la pasada primavera y ahora nosotros lo exponemos en espacioBRUT. A FAMILY trata de varios prototipos cerámicos, con diversos acabados, como ejemplo de todo su trabajo. Inspirados en las muñecas rusas, una dentro de la otra y representando la figura paterna, materna e infantil… Cada jarrón no es sólo un recipiente sino también una etapa del ikebana japonés. Tres es número de suerte en la cultura japonesa y símbolo de unión familiar en la cultura china. 
Minjia estudia actualmente Artes aplicadas en la Escuela de Artes Aalto de Helsinki.

Minjia Wang has worked in this project during her Japanese exchange study in the Tpkyo Musashino Art University the past spring. Now we exhibit it in espacioBRUT:
A FAMILY: inspired by Russian nested dolls, they could be placed one vase inside the other, but concluded with three diferent figures as baby, mother and father. As vase is not a vessel but also a stage of ikebana. Three is one lucky of numbers in Japanese culture, as well as a symbol of family in the Chinees culture.
Minjia Currently studying for her Master degree at School of Arts, Design andArchitecture,Aalto University Department Applied Arts



1.15.2014

presentamos el nuevo sillón03 BRUT




presentamos un nuevo mueble: el sillón03BRUT©. Tapizado en piel flor, nobuk o tela Kvadrat. Una butaca de lectura, charla o descanso.

now introducing a new piece of furniture: sillón03BRUT©. Upholstered in leather, nobuk or Kvadrat fabric. An armchair to reading, chatting, resting…

Photos courtesy ©JUAN BARAJA

1.10.2014

espacioBRUT en Expansión



El suplemento "Casas y estilo de vida" del diario Expansión nos dedica una página con una visón, en una entrevista, de nuestra filosofía de trabajo acentuando el sentido de la durabilidad de nuestro diseño. Durabilidad en el sentido temporal del término, es decir, cómo nuestros muebles tienen la intención de perdurar, pese a las influencias de las modas, que pasan y ya está. 
Artículo de Rosario Fernández y foto de P. Dávila.

Con está aparición, presentamos el nuevo sillón03BRUT, tapizado en piel y con opción tejido Kvadrat, que nuestro amigo juan Baraja ha sabido retratar tan bien como siempre.


12.12.2013

NADA PERMANECE, Rubén M. Riera





 

El tiempo, siquiera llegado un momento de echar la vista atrás, sigue su camino sin piedad y el ser envejece igualmente. En ese instante de observación de su destrucción o, más bien de su mutación, éste advierte que su piel es un instante menos joven, de igual modo, su pensamiento ha crecido un instante… Lo que no queda, sigue su camino… como un fluido que recorre una superficie aleatoriamente pero de manera controlada por ese pensamiento que no se desvanece nunca y que permanece o no en el olvido. Es ahí donde esta obra encuentra su significado: de nuevo el tiempo.   
En la obra de Riera no busquemos discursos manieristas ni artificiosas catarsis; busquemos un diálogo más perceptible, más cercano a nuestro ser consciente que la teoría del buen observador pueda sugerir en manuales estériles. Hay una naturaleza escasa pero fecunda, como la que se puede hayar en una gota de agua. No tratemos de descifrar mensajes escondidos porque su imagen devuelve un discurso tan perceptible como mirar el cielo nocturno y hacerse mil preguntas.
El uso de pinturas diluidas deja marcado su recorrido natural fluyendo por la superficie del soporte, lo que resalta si cabe más su carácter efímero y confiere a la materia un aspecto frágil, como frágil es el ser. Una especie de sumi-e en colores que escapan por el líquido como lo hace el transcurrir de la existencia.
En palabras del autor: aquello que no se adapta, es lo que permanece sólido en su afán de permanencia, frente al estado fluido de las cosas que presentan una mayor mutabilidad en su constante adaptación al progreso.
La muestra se compone de varios acr’licos sobre tela y de una serie de dibujos realizados con grafito y rotuladores.
Braulio Rodríguez

INAUGURACIÓN: SÁBADO, 14 DE DICIEMBRE DE 2013, a partir de las 18h.

11.05.2013

espacioBRUT BOOKSHOP


presentamos nuestro pequeño kiosko de publicaciones especiales: espacioBRUT BOOKSHOP. Reserva ya tu ejemplar.

introducing our new little newstand and bookshop: espacioBRUT BOOKSHOP. Reserve your copy now.

11.04.2013

1:1 de LAURA P. DELGADO



El Último trabajo de Laura Delgado se mueve entre su propia iconograf’a, que oculta sólo aquello que el espectador no quiere o no llega a comprender. Este lenguaje, quizá criptogr‡fico, es expresado a través de soportes tradicionales, pero no por ello menos sofisticados, para concluir en una expresividad de ruido sordo, tranquilo pero elocuente…
El papel, como medio y como fin, es por sí mismo lo suficientemente expresivo y es el medio más cercano al espectador habitual. 
Con esta muestra, hemos querido hacer un poco de memoria y nada más.
Laura estuvo dibujando en nuestro anterior local durante el verano pasado. Un grafito y un pedazo de papel es suficiente para expresar las marcas y las percepciones del pasado, impresas mediante la técnica del frottage. 
Dicho espacio disponía de amplias paredes donde los restos del pasado quedaron marcados sin que nadie se hubiera ocupado de atenderlos. _Afortunadamente, cuando encontramos el lugar y decidimos alquilarlo para comenzar nuestra anterior etapa, las obras apenas iban a comenzar y las paramos. El proceso se completaría con un precioso gotelé pintado de amarillo pálido en los paramentos y una preciosa tarima laminada sobre el pavimento… _Creo que entonces indultamos ambas superficies para que sirvieran dignamente a nuestro fin y lo hicimos sin pensarlo un solo momento. _Quién sabe el tiempo que les queda para su nueva transformación, desde que nos hemos ido._
Lo importante es que nos hemos traído a Pelayo, 68 su espíritu sobre el papel y esta gran ocurrencia de la artista es lo que más nos reconforta. No se trata de una documentación arqueológica sino de una reunificación cuasi sentimental que proporciona todo un argumento argumental a nuestra próxima exposición.
Laura trabaja rápido, metodológicamente; almacena su experiencia como si de una arqueóloga se tratara; eso es lo que hizo en el anterior espacioBRUT.
Su labor es la de una reportera del pasado invisible sobre las paredes, como manifiesta también en anteriores trabajos, donde subyace la historia contada de otra manera; unas veces más gráfica, otras mediante el vacío que separa las masas del carbono y siempre admitiendo los relieves que, sobre el papel, dejan huella las texturas. A veces marca los l’mites a cada realización, a cada encuentro con nuestros muebles, como si de otro límite o pared se trataran y quedan dibujados también sobre el papel como elementos geográficos, como hitos o mojones sobre un mapa real y consciente a escala real, a escala 1:1.
La exposición se compone de varias obras de frottage, en gran formato, sobre papel japonévs y una serie de pequeñas hojas de cuaderno. A ello se une una serie de fotograf’as de apoyo, tomadas durante el proceso mediante impresión risograph en negro. 

Braulio Rodríguez. ©espacioBRUT

DEL 2 DE NOVIEMBRE AL 11 DE DICIEMBRE DE 2013



10.28.2013

espacioBRUT EN MONOCLE DESIGN DIRECTORY

espacioBRUT es mencionado junto a su cambio de domicilio en el número 68 de Monocle.

9.21.2013

nuevo espacioBRUT


© Silvio Posada


Nos hemos trasladado. El nuevo local que encontramos estaba en buen estado pero le hacía falta un lavado de cara integral. Nuestra labor consistió en tener ojo para ver las posibilidades y poco más (lijar suelo, pintar…)

9.13.2013

BONSÁI, de Ignacio Chávarri





espacioBRUT se ha trasladado de local y de zona. Atrás quedan casi cuatro años desde nuestra iniciativa como pequeño local de venta de mobiliario los fines de semana del rastro… Seguimos siendo los mismos, con los mismos obstáculos quizá debidos a una situación a la que casi todos nos hemos sometido injustamente. Y seguimos siendo los mismos, con más ganas si cabe, de contar historias a través de nuestro diseño y de la creatividad de otros que con afán nos siguen respondiendo. Esta evolución nos ha llevado a la búsqueda de un rincón más adecuado a nuestras necesidades de mostrar las cosas que nos gustan y la obra de personas con talento. Quién sabe si esto sirve o no para algo, pero nos encanta y eso es lo que importa…
A la hora de celebrar cambios, y éstos son siempre a mejor si uno sabe mirar “palante”, hemos pensado en hacerlo con la exposición del mismo artista con quién iniciamos nuestra andadura hace casi tres años: Ignacio Chávarri.
La obra de Iñaki, que ahora presentamos, forma parte también de su evolución y de una obsesión, quizá no resuelta, por el devenir del tiempo que se escapa como agua entre los dedos…, por lo ef’mero del presente, que ya es pretérito…
El t’tulo “Bonsái” lo sugiere la obra del escritor chileno Alejandro Zambra que en su novela narra una serie de acontecimientos que, si no fuera porque los escribe, no tendr’an ninguna trascendencia; son cosas nimias, aparentemente poco importantes… Las piezas, de confeti, y aqui la afinidad con la novela, carecen de toda importancia cada una de ellas por separado hasta que decides prestarles un tiempo, una atención a cada una de ellas de manera individual.
Por otro lado, el arte del bonsái, símbolo de la eternidad para los monjes tao’stas, que se basa en la reduccción del tamaño de árboles y plantas, genera una relación directa con el proceso de producción de las piezas, aunque en la dirección contraria.
Las obras que se podrán contemplar son de una factura casi perfecta. Formalmente no buscaremos un significado ajeno al de sus anteriores discursos relacionados con el confeti, pero conceptualmente ahora existe un punto de inflexión, casi imperceptible, que le arrastra inevitablemente hacia la madurez. El presente se ha hecho sólido, se ha concentrado en formas que perduran. El brillo de las superficies sugiere permanencia, solidez, pero también juventud y frescura. La diversidad de colores sugiere diferentes estados de ánimo, diferentes puntos de vista guiados por este talentoso joven y por su mirada incisiva pero al mismo tiempo humilde.
Conocimos a Iñaki hace ya tres años y enseguida supimos que tenía talento, inteligencia y un innato impulso hacia la curiosidad que tanto nos interesa en los artistas y, en general, en las personas con quienes compartimos la belleza de esta experiencia y que nos acompañan en esta aventura.
La muestra está formada por diez piezas de madera lacadas en varios colores haciendo referencia, con otra escala, a las piezas de confeti. 
Será la vigésima cuarta exposición que realicemos y que nos gustar’a compartir una vez más. Un paseo por esta zona de la ciudad siempre es agradable y nosotros estaremos encantados de recibirte.


9.08.2013

espacioBRUT se traslada de local


Nos hemos cambiado de local y de barrio. Nueva etapa con nuevos proyectos para desarrollar desde un nuevo espacio más adecuado a nuestras necesidades y nuestra filosofía entorno al diseño, el arte, el interiorismo, la arquitectura… Hemos superado una etapa quizá de tránsito. 
Au revoir al rastro… Hello Pelayo!

We have moved. New store and new neighborhood with new projects to develop. New space fit for us focused to the design philosophy, art, interior design, architecture ... 
Au revoir El Rastro ... Hello Pelayo!

7.11.2013

PLEAMAR by Raúl Lázaro



Con la marea alta los detalles quedan ocultos y las arenas de la playa se cubren hasta su parte más seca y brillante. Llegado este punto parece como si bajo esta incierta perfección subyaciera todo un mundo sin explorar, formado por vivencias pasadas, hechas de horas de sol, calma y gritos de niños moviendo las aguas…

Todos tenemos historias de playas y éstas evocan veranos pasados. Perfecto para despedir una temporada que acaba durante el mes de agosto y que promete novedades a nuestra vuelta en septiembre.

Raúl Lázaro es hábil, conciso y racional en sus composiciones, de un minimalismo donde sobran más elementos. Como él mismo dice, nací un día bisiesto y eso marca. Cree en las cosas pequeñas, hechas con tiempo y con paciencia, que desvelan un minucioso trabajo tras de sí cuando las observas. El proceso de reutilización de materias, hace que éstas cobren nueva vida y sean más elocuentes cuando se suman sobre el soporte. Sus tijeras, que también forman parte de su logo, son su lengua y su garganta. Su línea expresiva se basa, a menudo, en la coincidencia gráfica y en un surrealismo quizá algo brossiano. Por eso nos gusta su obra.

Podremos ver una serie referida a la playa y otra de postales con un argumento completamnte distinto pero a la vez enriquecedor de su obra. 

Ahora, que los collages de Raúl nos dejen un buen sabor de boca antes de plantar de nuevo la sombrilla. Os esperamos.
    
Braulio Rodríguez


en espacioBRUT, del 13 de julio al 11 de agosto



5.30.2013

THESE THINGS TAKE TIME by Rui Vitorino Santos





Antes de conocer personalmente a Rui _lo cual tal vez fuera una ventaja en este caso_ teníamos que referirnos a él por lo que entreveíamos en su obra. Teníamos que ser medianamente objetivos, aunque un san sebastián suyo, que compramos hace tiempo, se haya convertido en parte de nuestra rutina diaria, en parte de nuestra familia.

Al carácter del trabajo de este artista, influido sin duda por el mundo clásico, del que extrae provechosas señales y quizá sensuales y heroicos anhelos, se añade cierto halo de ternura o de impúdica melancolía. 
Lo que más nos gusta de él es su lectura de lo cotidiano a través del sueño imposible de sus personajes, vehículo fundamental de su discurso figurativo.  
O un poco naïf o más realistas de lo que suponemos, son seres en busca de un argumento desconocido para nosotros pero hilado por ellos mismos con destreza.
Narices como trompas, miradas al infinito, minuciosamente confeccionados para tocar según qué sensibilidades, como la nuestra… Pero estas cosas llevan su tiempo.
Tenemos el placer de ofrecer a nuestros curiosos amigos y simpatizantes la obra de este artista de Oporto, de donde nos trae más de veinte trabajos entre los que figuran grabados, dibujos y pinturas para que disfrutemos de ellas en Madrid durante estas semanas. Venid y juzgad vosotros.

En espacioBRUT, del 8 de junio al 10 de julio de 2013

Braulio Rodríguez