6.02.2015

PAPER WINGS by Genison Oliveira






espacioBRUT despide esta temporada de exposiciones con la presentación del trabajo de Genison Oliveira, artista brasileño con residencia en Lisboa.
Genison como reflejo de la naturaleza en estado puro en sus dibujos, en este caso, o en su obra escultórica, basada en los estados naturales del ser vivo que crece y se desarrolla hasta su consumición natural… Y el ciclo comienza de nuevo, puro, salvaje.
Su dibujo es rico en expresividad, en naturalidad, en una gestualidad consciente y bella por sí misma, que imprime la violencia del movimiento de las alas como argumento gráfico. La tinta sobre el papel resuelve fantásticamente el motivo gráfico suficiente y conciso. Las aves no se ven, se percibe su rastro en un solo segundo…
La exposición se compone de una serie de dibujos realizados con tinta china sobre papel de algodón e imagen digital.
Braulio Rodríguez

A través de la lectura de los elementos visuales a la naturaleza, o la referencia a la crudeza y agresividad de la materia en las obras como la muerte y la vida, el artista habla de la relación paradójica entre la sensualidad y el dolor (fetiches), la violencia y la exuberancia. Sus obras más recientes tienen referencias centradas en la naturaleza y la evidencia de los “pájaros”.
Genison Oliveira

Nuestro agradecimiento a Pablo Sycet, que nos descubrió al artista.

INAUGURACIÓN: SÁBADO, 6 DE JUNIO, DE 18,00 A 20,30H.

Genison Oliveira_ Gobernador Archer (Maranhão), Brasil, 1977. A partir de la actividad artística en el Galpón de las Artes - GAM - Marabá, Estado de Pará, participó en cursos y talleres de Instituto de Bellas Artes de Pará Arte (AIP). Trabajó con artistas: Mário Rui “Ruma” Arte Contemporáneo. Filipe Taborda - Gráficos Caboclo. Claudia Sc - EB - Escultura en arcilla. Armando Sobral - Xilografía.
Participa en exposiciones individuales y colectivas en Brasil desde 1999. Actualmente vive y trabaja en Portugal. Lleva a cabo investigaciones en las áreas de escultura, pintura, objeto, diseño y grabado digital. Sus obras pueden verse en la Embajada de Brasil o en La Casa de América Latina en Lisboa y en colecciones privadas de toda Europa.


3.25.2015

BORDERLINE / PINTURAS 2015. Felipe Bracelis






Invitar a un artista chileno, en este caso, a desarrollar un proyecto para nuestro espacio no es una tarea fácil en cuanto a la sinergia del trabajo a distancia. Pero nos hemos entendido muy bien y el resultado es el que esperábamos. Felipe Bracelis vive y trabaja en Santiago de Chile pero su expresión transcultural nos hace asimilarlo rápidamente a una idea global del arte, lejos de otras suposiciones de rango geopolítico que lo identifiquen con un arte puramente latinoamericano. Ahora tenemos la oportunidad de presentar su obra por primera vez en Europa.

Conocimos su trabajo, publicado quién sabe dónde, y en seguida nos comunicó historias, deseos, verdades y mentiras. Sus personajes han evolucionado desde los desmembramientos en forma de collage, de sus personajes en plena actividad sexual, hasta la delgada línea que los separa, que nos separa, de la naturaleza física. Sus trabajos han evolucionado en poco tiempo, como es de desear, hacia un entorno más abstracto pero más certero en cuanto a su discurso naturalista, sensual y primitivista. Estimulación y reflexión sobre los sentidos a través de un soporte tan tradicional y tan contemporáneo a la vez como es la fotografía. Nos ha complacido realmente el resultado y encajará en nuestro espacio, abierto una vez más a la creatividad que nos parece más especial.

En este proyecto, Borderline, integra cuerpos en plena naturaleza y, ahora, tras despojarlos de superfluas vestimentas, los desintegra rápidamente bajo capas de pintura. Ya no son anónimos seres, ya tienen cada uno su propia verdad o mentira y se mueven en el límite de lo real y de lo imaginado, que aporta la capa de pintura que los envuelve. Un resultado fresco, salvaje, que no deja indiferente al ojo del observador que nos visita, principalmente curioso (y cultivado). Una oportunidad más de admirar simplemente y/o adquirir arte de calidad a precios razonables.
La exposición consta de nueve fotografías impresas sobre pvc con impasto acrílico realizadas en Chile para espacioBRUT.  
Braulio Rodríguez. espacioBRUT

INAUGURACIÓN: SÁBADO 28 DE MARZO DE 2015, DE A PARTIR DE LAS 18 H

En palabras de Felipe Bracelis:
Borderline / Pinturas inéditas 2015 tiene como punto de partida la experimentación pictórica sobre fotografías digitales. Fotos impresas en PVC son intervenidas directamente con empasto de acrílico, modificando súbitamente su disciplina, dándole una nueva identidad. Las imágenes creadas muestran a sujetos a la intemperie o en espacios reflexivos, presentándose asi intrigantes, o a la vez impenetrables. Borderline es el nombre dado a esta serie de obras inéditas, donde la pintura y la fotografía conviven y se complementan, hechas especialmente para espacioBRUT

Felipe Bracelis. La Serena, Chile, 1987_
Tras conseguir la Licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad de Chile, funda el proyecto YESSR, plataforma de desarrollo curatorial y de extensión, orientado a expandir el medio de emplazamiento para artistas jóvenes en Chile y en otras latitudes de Latinoamérica. Dentro de YESSR, Bracelis crea YESSR Magazine, publicación que llega a ser vendida en el Book Shop del Tate Modern Museum y a ser el primer invitado Latinoamericano en la Feria del Art Book de Vancouver. El trabajo de Felipe Bracelis se ha expuesto en galerías y centros culturales de Chile, Argentina, Bolivia, Perú y Canadá, y ha sido incluido en publicaciones como Butt Magazine (usa), Woof Magazine (br), Monocromo Artzine (mx), Ticket to Hell (usa), Territorio Cultural (cl) y Cock au Soleil (fr), entre otras. Actualmente Bracelis es representado por La Petite Mort Gallery de Canadá, espacio en el cual además ha participado activamente como curador.


2.25.2015

espacioBRUT en ARCO 2015








Estamos orgullosos porque varias piezas de espacioBRUT se pueden ver en la Feria ARCO 2015. Una iniciativa promovida por Dimad por la que se ceden piezas de diseño a los galeristas que lo soliciten. Somos el único estudio de diseño que se ha ofrecido bajo el epígrafe de editoras.

En la galería Elvira González, de Madrid, se pueden ver dos prototipos de la silla04 y una mesa05

En la galería José de la Fuente, de Santander, se puede ver un sillón03, un prototipo de la mesa03 y dos sillas02


We are happy because several espacioBRUT furniture pieces can be seen in the ARCO 2015 Fair. Promoted by Dimad initiative that let design pieces to the art galleries that request it. We are the only design studio that has been offered.

In Galería Elvira González you can see two prototypes of silla04 and one mesa05

In José de la Fuente Art Gallery you can see one sillón03, a prototype of the mesa03 and two sillas02

2.16.2015

Y.M.P.P.P.J.G., de Javier Pividal









Visto desde nuestra perspectiva, en el panorama actual se hace cada vez más perceptible la diferencia entre el artista involucrado intelectualmente y el que participa casi solamente del acto social. Sin entrar en discusión de si ésto último es malo o no, ni nos corresponde, nos complace lo primero, lo que nos alimenta de verdad. El resultado final no es el mismo. No sólo nos nutrimos del ingenio y la ocurrencia necesarios, sino también del propio proceso creativo, sólido, que involucra pensamientos y creencias que se van pegando a nuestra memoria como fragmentos de hierro a un imán.
Se hace necesaria una reflexión acerca del papel del hecho cultural y su entorno sobre la obra de arte y la influenca del aprendizaje individual (o colectivo), de la convivencia, de la simbiosis entre la obra y la lectura que conlleva a su conclusión…
El desarrollo posterior de un proyecto llevado a cabo por Javier Pividal nos hizo meditar acerca de si existía un camino paralelo o una continuación de éste, un crecimiento óseo y carnívoro. Écrire en blanc ahora se transforma, crece, como el espíritu atormentado de cualquiera de los tres universos que dan título a la exposición y que, a partir de hoy nos acompañan: aquellos que repoblaron tardes de lectura o, más bien, de invasión de nuestras inquietudes más personales… ahora son objeto de meditación sobre una vida al límite y un final trágico.
Yukio Mishima, Pier Paolo Pasolini y Jean Genet, antihéroes o titanes, sus cuerpos escritos con cortes afilados los reafirman y son el eje argumental de esta muestra que tenemos la alegría de compartir con vosotros para intentar contribuir con algo de calidad al panorama cultural de esta ciudad.
Pividal propone una detallada lectura, no por ello carente de placer, ni mucho menos, del desarrolllo de una tipografía como troquel que deja ver lo corporal y espiritual de la imagen, a través del vacío y de las sombras que proyecta el hueco del corte sobre el papel trasero. Su visión conceptual del blanco sobre negro pasa a ser el motivo desencadenante del acercamiento entre el cuerpo, la imagen y la palabra.
Ogami Press, por su parte, ha sido parte fundamental de un proceso productivo de gran calidad y del resultado final del que nos sentimos todos satisfechos. La exposición se articula a partir de unas piezas de nueva producción –serigrafías sobre madera– y de una serie de fotolitografías intervenidas, en íntimo diálogo con nuestro espacio.
espacioBRUT os convoca una vez más a celebrar que el arte sigue vivo también en recónditas esquinas.
 Braulio Rodríguez. EspacioBRUT

14 FEB-18 MAR

 En palabras de Javier Pividal:
El proyecto Écrire en blanc desarrolla una tipografía como oposición al esquema tradicional de negro sobre blanco. Esta escritura es sustractiva, neutra, singular y se utiliza para escribir lo que no puede ser descrito. Es una escritura blanca como un iceberg y se transforma en imagen de la misma manera que el cuerpo se convierte en palabra. En estos trabajos se utilizan los colores fluorescentes para significar la huella, el reflejo, el susurro de la palabra que queda más allá de la imagen, más allá del cuerpo.
Esta misma escritura blanca es la que se superpone, se excribe, sobre los retratos de Yukio Mishima, Pier Paolo Pasolini y Jean Genet, escritores abismados cuyos cuerpos fueron llevados al límite tanto en la vida real como en sus obras: cuerpos/palabra.
¿Porqué durar es mejor que arder? escribe Roland Barthes. 

 Javier Pividal. Cartagena, 1971. Es licenciado en Bellas Artes y Máster en Museología por la Universidad Politécnica de Valencia. Amplía sus estudios en la Southampton Solent University y en París donde realiza el proyecto Fragmentos de un discurso gracias a una beca CAM de Artes Plásticas. 
En los últimos años ha realizado muestras individuales con el Centro Párraga de Murcia.con la galería Art Nueve de Murcia, La Taller de Bilbao, la galería Louis 21 de Palma de Mallorca, la galería Fúcares de Almagro y con la editora Ogami Press. 
Asímismo, su trabajo participa en muestras colectivas tanto nacionales como internacionales: La Casa Encendida, Madrid -Generación 2003 y 2005-, la Whitebox Gallery de Nueva York, el Magazin4 de Bregenz, la Bienal de Sao Paulo-Valencia, el Zuyderzee Museum de Enkhuizen y en MANIFESTA8 y en el Instituto Cervantes de Nápoles entre otros siendo las últimas ESTAMPA, ARCOMadrid 2014, Password Printmaking (International Centre of Graphic Arts, Eslovenia; comisariada por Hablar en Arte, Sub-Versos en la Fundación Antonio Gala de Córdoba y la Bienal de Arte de Amposta. 
Sus proyectos de obra gráfica han sido mostrados en el FIG de Bilbao y en el premio Máximo Ramos de A Coruña y reconocidos con el primer premio por el Museo del Grabado de Marbella, la Fundación Ankaria y el certamen Carmen Arozena. Finalista español al Premio Internacional Canson 2015.

1.09.2015

BRUTAL, de Wenceslao Robles








espacioBRUT comienza el año con esta exposición de Wenceslao Robles. Se trata de un encargo con el foco puesto en su visión de la arquitectura brutalista, sobre edificios de Le Corbusier, Nick Rochowski, Owen Luder, etc… La obra de este artista sevillano se mueve entre placer por el refinamiento del trabajo bien ejecutado y el acierto por la temática elegida. Ambos sugieren una forma de poesía que choca frontalmente con la lógica de pensar si una mole de hormigón es bella o si lo fue alguna vez.
Aparte de obviedades historicistas, críticas o no, lo que importa es la belleza de lo humano, sea o no del agrado de caminantes o críticos. En esta ocasión Wenceslao Robles emprende un camino paralelo al de su evolución como artista y nos trae su propia extracción de la belleza de lo cotidiano, si es que el brutalismo lo es o lo fue cuando se introdujo en nuestro habitual y urbano paisaje.
Quisimos darle al argumento un carácter que pudiese formar parte de nuestro entendimiento como habitantes de espacios quizá demasiado utilitarios, como además, infundidos de razonamientos coléricos y poco consecuentes con nuestra evolución. Son estas grandes criaturas nuestros grandes frankensteins, olvidados en muchos casos, pero con su propia retórica y su poesía. Sin querer entrar en discusiones de estilo sino en la razón de su inerte belleza o fortaleza, nos vemos inmersos en paisajes que nos son familiares porque albergan historias humanas. Aún vistas desde fuera, son grandes máquinas de habitar; grandes testimonios de épocas en que la razón también se imponía en el paisaje.
Robles grabador, Robles pintor, se presenta como el artista completo y nos llama la atención su minucioso procedimiento racional en cuanto a la ejecución y al encuadre, despreocupadamente meditado y a veces repetitivo en forma lineal como un halo espiritual o técnico…
Os invitamos de nuevo a una gran exposición, de la que nos sentimos orgullosos y que nos gustaría fuera comentada o, por lo menos tenida en cuenta en un hueco de la memoria.  
Braulio Rodríguez. espacioBRUT

En palabras de Wenceslao Robles:
Este proyecto expositivo es una acción diferente pero paralela a mi habitual obra. Sigo insistiendo en los espacios ocupados por el hombre y el paisaje resultante.
El brutalismo arquitectónico surge como respuesta a las necesidades utópicas y sociales tras la segunda guerra mundial, el postmodernismo. Formas enormes, angulares y racionales, materiales en estado puro como el hierro y el hormigón así como ausencia total de ornamentación son esenciales en su aspecto. 
La contemplación exterior de estos edificios, dándoles un enfoque externo, omitiendo su utilidad interna, hace que puedan admirarse como gigantescos altares megalíticos, proporcionando una imagen mágica y terrorífica generando un desconfiado interés. Conectando con lo más antiguo y telúrico de nuestro ser, como si de modernos dólmenes y menhires se tratase.   
Esta visión sublime, de esta  particular arquitectura, es la esencia de lo que he intentado exponer con estas obras.  

DEL 10 DE ENERO AL 11 DE FEBRERO DE 2015

_Wenceslao Robles. Sevilla, 1976. Licenciado en Bellas Artes, en la especialidad de Diseño y Grabado, por la Universidad De Sevilla. Ha participado en innumerables exposiciones y certámenes, en los que ha sido varias ocasiones galardonado: Primer premio: IV Bienal Internacional de Grabado Aguafuerte 2014. Valladolid; primer premio: Certamen de Grabado 2013 de Colegio Oficial de Aparejadores, Arquitectos e Ingenieros de Edificación de la Rioja, La Rioja  2013; primer premio: VI Concurso Nacional de Grabado de Alcalá de Guadaíra, Sevilla, 2003… Por otro lado, sus obras han sido adquiridas por organismos públicos y privados: Biblioteca Nacional, Madrid; Calcografía Nacional, Madrid; Consejería de Sanidad, Junta de Andalucía; Autoridad Portuaria de Barcelona; Ayuntamiento Ciudad de Borja, Zaragoza; Diputación Provincial A Coruña; Museum of the Americas, Miami, EEUU.

11.19.2014

ESPACIOS DISTÓPICOS de Juanma Sánchez











Juanma Sánchez no dibuja escenarios tangibles ni concretos; ni tan siquiera pareciera que dibuje, no le hace falta para expresar un deseo que le ronda la cabeza. Crear es desear lo que no se puede concretar, lo que nos ronda como un mantra, lo que jamás conseguiremos definir pero que los afines entienden, como algo que les toca de cerca y que no saben explicar hasta que alguien lo hace por primera vez…  

Desde la magnífica revelación de su serie abstracta, donde líneas y volœmenes quizá danzan, se entrecruzan y se mueven como si de un acto sensual y sexual se tratara; donde los objetos dejan de serlo para formar parte de una misma lectura de color y de ritmoÉ hasta la serie, no sólo de rostros, sino de retratos de personajes inexistentes, también distópicos pero a la vez hermosos, tiernos y con una displicencia casi primitiva. Reflejo escondido de afiches y carteles de teatro donde se mezcla el influjo de las primeras vanguardias y de los tiempos en que esta ciudad, por ejemplo, era entusiasta e ilusionada…

Su descontento es nuestra nueva perspectiva, satisfecha ante una obra tan fácilmente apreciable.  

De esta manera podría describirse el trabajo de Juanma Sánchez. Nos sorprendió su solidez, su entusiasmo sin entusiasmo, su pasión callada y no sólo insinuada. Su madurez creativa es la que exponemos ahora en nuestro espacio. Por ello estamos contentos de llegar en el momento adecuado de su evolución como artista.    

espacioBRUT presenta una selección de obras compacta y ágil, que permanecerá colgada hasta Navidad y a la que auguramos todo el éxito que el público sensible y amante del arte de calidad pueda brindarle.

Nuestro agradecimiento a Adolfo Blanco Osborne, el cual acertó con su sugerencia y nos trajo al artista.

Braulio Rodríguez. espacioBRUT


En palabras de Juan Manuel Sánchez: 
Crear es zambullirse en territorios siempre desconocidos. También crear es descubrir o simplemente transitar por ámbitos en cierta medida estructurados. Ése conflicto entre estructura y territorio por descubrir es en el que personalmente me siento más cómodo.
Crear es descubrir espacios, ya sean figurativos o abstractos, por tanto la narrativa del arte es inagotable. En ese viaje utilizo todo lo que encuentro, pero no todo lo que encuentro me sirve. En eso radica mi fascinación por el trabajo artístico.  


INAUGURACIÓN: SÁBADO 15 DE NOVIEMBRE DE 2014, DE A PARTIR DE LAS 18 H

_Juan Manuel Sánchez. Alcalá de Henares, Madrid, 1956. Tesis Doctoral, Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid. “Andrea D’Odorico: Un arquitecto del Espacio”. Master en Gestión Cultural (Tercer Ciclo Universitario) Universidad de Alcalá. Es también Licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. RESAD Ha participado en diversas exposiciones y ferias, en galerías de Madrid, Barcelona, Valencia, Granada o Ibiza.

10.18.2014

13 TEXTILES TRIBALES PARA UN HOGAR CONTEMPORÁNEO












Siendo estudiante de arquitectura, allá por el siglo pasado, recuerdo haber interpretado, en un examen de dibujo técnico, la Villa Mairea. Enterita. Delineando con el rotring todas sus puertas y ventanas, sus pavimentos, los árboles que la rodeaban…La imagen surgió después, cuando la vi en fotografías, tal como era; con el mismo aspecto que sus moradores, los Gullichsen, la habían conservado: con las obras de Marie en las paredes, los muebles de Alvar Aalto, las alfombras… Fue la primera vez que vi una Beni Ouarain, pero apenas presté atención… 
El paso del tiempo, la madurez, el amor por lo bello, han traido a mi casa, quizá por deseo inconsciente, una pieza antigua, semejante, … y ese recuerdo pervive en mi como una premonición.

Como profesional, casi no concibo un espacio domÉstico sin un textil como los que estudioH ahora nos muestra. Han de ser considerados y tratados como obras de arte, pueden tenderse sobre el suelo o colgarse de la pared. Tienen su propia función de aportar calidez, belleza y ese lenguaje secreto e indescriptible que las hace protectoras del hogar.

Bajo este enfoque a la vez práctico, a la vez poético, nos complace dar argumento a una nueva exposición sobre el textil tribal y su perfecta integración en el espacio de nuestras casas. 
Admiremos un fantástico hanbel o un espactacular tacheh, descubramos en un filikli su morbida sencillez, la sofisticada y refinada desnudez de un asachu… Imperfectas, sencillas, útiles, bellas, evocadoras de paisajes escritos y soñados como los de Bowles o Lawrence de Arabia…
Pero… ¡qué poco modernos somos! Si ya hace casi un siglo que cubrían los suelos del Pabellón de L’Esprit Nouveau. Si las hemos visto en la casa de los Eames, en la de los Girard, en obras de Gropius y Le Corbusier, en apartamentos y grandes casas de Nueva York o de Copenhague…

Más de una docena de piezas únicas, tejidas en telares enormemente sencillos para su uso familiar, forman parte de esta selección que José Luis Herrero ha pensado para espacioBRUT. Por ello, como alternativa a lo rutina de lo cotidiano, es un placer poder admirar esta gran colección, única probablemente en nuestro país y su diálogo incontenido con nuestras propias piezas de diseño, tal como son. Nos sorprenderá su inmediata integración en el espacio, conviviendo con nuestros muebles, perdurando siempre con nosotros.
Braulio Rodríguez. espacioBRUT

En palabras de José Luis Herrero, director de la galería estudioH: 
Y ¡por qué no utilizar un textil tribal a modo de moderna “pintura tejida” para que capture nuestra mirada y dinamice cualquier espacio contempor‡neo que se precie? 
Textiles tribales que siempre están en el punto de mira de los más  avezados “cazadores” de belleza “pura”: arquitectos, anticuarios, coleccionistas… 
Textiles tribales… ¡Por algo será!
  
INAUGURACIÓN: SÁBADO, 18 DE OCTUBRE, DE 18-20,30H 



9.25.2014

BALANCE, Kaufman + Maselli









BALANCE es atrapar un instante preciso y deseado para que una serie de circunstancias contenidas resuelvan la imagen. La acción está a punto de concluir, de caerse el elemento puesto en equilibrio durante unos segundos…
Aparentemente esta lacónica respuesta del tiempo se vuelve a favor de ellos, de Fernando MASELLI (Buenos Aires, 1978) y de KAUFMAN (1975, Hitchin, Inglaterra), que han sabido dotar el momento de una expresividad natural pero obviamente meditada.
Las fotografías, base de la obra, son tomadas por Maselli en barrios abandonados, a medio construir. Estos espacios serán intervenidos por Kaufman antes de ser fotografiados, con la utilización de elementos encontrados. Dichos elementos fusionarán su fisonomía geométrica con el entorno que les rodea. De este modo, las imágenes contendrán una serie de patrones formados por figuras geométricas que más tarde serán enfatizados y combinados a través del color. Fotografías hechas en la frontera difusa entre el olvido y el recuerdo, donde la ausencia humana enfatiza aún más el abandono, y, sin embargo, queda una soledad inquietante. 
El brutalismo de estos espacios sin acabar, como son las obras de construcción, aporta tal dosis de belleza, que interponer una metáfora más ser’a redundante, pero subrayar con un aporte intelectual tal expresividad dependerá del juego gráfico final. El color de las formas geométricas que se superponen a un momento apunto de desvanecerse, entre la realidad y la ficción, es el que remata con gran sutileza este argumento, este BALANCE.
Por otro lado, Convex Tangram, de Kaufman, como contrapunto, pone de relieve con sus piezas el efecto simbiótico a la exposición mediante pedazos de encofrados recogidos en las anteriores escenografías y que combina, reutilizándolas, siguiendo las formas de este antiguo juego chino.
_El Tangram está compuesto por siete piezas (5 triangulos, 1 cuadrado y 1 romboide) con el cual se pueden formar cientos de figuras y siluetas. Y una figura es convexa cuando eligiendo dos puntos dentro de ésta y uniéndolas mediante una linea, esta linea también se encuentra dentro de la figura. Solo existen 13 figuras convexas realizadas con un tangram demostrado por Fu Traing Wang y Chuan-Chih Hsiung en 1942._ 
espacioBRUT se alegra de abrir nueva temporada con la presentación de este proyecto, desarrollado bajo el comisariado de Óscar García García y de PAC y que podrá verse durante estas próximas semanas. Es una suerte contar con una exposición tan afin a nuestra filosofía y nuestra línea de trabajo, que este año precisamente cumple 5 años y que nos gustaría que compartieses con nosotros. 
Braulio Rodríguez. espacioBRUT 

BALANCE ha sido comisariado por Óscar García garcía (PAC)

INAUGURACIÓN: SÁBADO, 13 DE SEPTIEMBRE, DE 18-20,30H 

La obra de KAUFMAN se basa principalmente en tres conceptos: lo urbano, la abstracción y la geometría. Dentro de este juego de signos abstractos cobra gran importancia lo lœdico, proponiendo una reflexión sobre la reinvención del mundo en la que participe el espectador. El reciclaje y la reutilización están muy presentes en sus creaciones. Aunque en su trabajo podemos ver influencias de artistas consagrados como Mondrian o de emergentes del post-graffiti, confiesa que su mayor influencia es nuestro entorno, ya sea relacionado con lo urbano como con los nuevos medios en los que vivimos otra realidad. Ha realizado trabajos y expuesto en ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia, Alicante, Girona, Londres, Bélgica, entre otras.


La obra fotográfica de FERNANDO MASELLI ha estado siempre ligada al paisaje, ya sea urbano o natural. Sus primeras series tienen un denominador comœn, Madrid, en ellas subraya el efecto pictórico gracias a las variantes de color que son resaltadas respectivamente mediante juegos de luces y sombras; y, por otro lado, utiliza y ordena un elemento como valor arquitectónico: el espacio fluyente, o vacío que recorre y sensibiliza con medida los intervalos que quedan libres entre la materia. Entre 2011 y 2013 desarrolla el proyecto Hierofanías, que constituye una aproximación intelectual y empírica al trabajo del filósofo Mircea Eliade, quien acuñó este término para referirse a la toma de conciencia en la naturaleza de la existencia de lo sagrado. Actualmente está desarrollando un proyecto en alta montaña, en el que intenta abordar el concepto de lo sublime y la posibilidad de su plasmación en un lenguaje artístico contemporáneo. La obra de Maselli ha sido reconocida y expuesta en varios certámenes nacionales e internacionales: W-CA Contemporary Landscape Photography Open (UK), Premio Joven Artes Plásticas, Universidad Complutense (España), Convocatoria Internacional de Jóvenes Artistas, galería Luis Adelantado (España).



BALANCE: Equilibrar lo desequilibrado

El equilibrio mecánico es un estado estacionario en el que se cumple alguna de estas dos condiciones:
• Un sistema está en equilibrio mecánico cuando la suma de fuerzas y momentos sobre cada part’cula del sistema es cero.
• Un sistema está en equilibrio mecánico si su posición en el espacio de configuración es un punto en el que el gradiente de energía potencial es cero.

Las piezas creadas por KAUFMAN y MASELLI logran un estado estacionario en el que sus características no varían con el tiempo. Y lo hacen gracias a la fotografía que convierte un momento fugaz de equilibrios imposibles en un balance eterno. 
La sensación contradictoria de desequilibrio y estabilidad seduce al espectador en un trampantojo de simetr’as y proporción. Tensiones estructurales, que en silencio de la soledad, caminan por la cuerda floja en un entorno arquitectónico de abandono invadido por esculturas de reutilización, color y esperanza.
La serie BALANCE capta un momento ef’mero e irrepetible que deja de lado la función documental de la fotografía en el arte urbano, para convertirse en obra en sí misma. El entorno es transformado, modificado y capturado instantáneamente para ser de nuevo intervenido. El resultado final es una pieza donde el espacio arquitectónico es contaminado escultóricamente, y la fotografía pictóricamente. Una alteración del medio que en lugar de perjudicar parece purificar el contexto. 
La perspectiva, la luz, los colores y la distribución crean escenografías inquietantes desnudas de figuras humanas. Equilibrios que tratan de lo humano, pero a través de las cosas que nos rodean, creando del artificio una realidad suspensiva. 

Óscar García García