11.19.2014

ESPACIOS DISTÓPICOS de Juanma Sánchez











Juanma Sánchez no dibuja escenarios tangibles ni concretos; ni tan siquiera pareciera que dibuje, no le hace falta para expresar un deseo que le ronda la cabeza. Crear es desear lo que no se puede concretar, lo que nos ronda como un mantra, lo que jamás conseguiremos definir pero que los afines entienden, como algo que les toca de cerca y que no saben explicar hasta que alguien lo hace por primera vez…  

Desde la magnífica revelación de su serie abstracta, donde líneas y volœmenes quizá danzan, se entrecruzan y se mueven como si de un acto sensual y sexual se tratara; donde los objetos dejan de serlo para formar parte de una misma lectura de color y de ritmoÉ hasta la serie, no sólo de rostros, sino de retratos de personajes inexistentes, también distópicos pero a la vez hermosos, tiernos y con una displicencia casi primitiva. Reflejo escondido de afiches y carteles de teatro donde se mezcla el influjo de las primeras vanguardias y de los tiempos en que esta ciudad, por ejemplo, era entusiasta e ilusionada…

Su descontento es nuestra nueva perspectiva, satisfecha ante una obra tan fácilmente apreciable.  

De esta manera podría describirse el trabajo de Juanma Sánchez. Nos sorprendió su solidez, su entusiasmo sin entusiasmo, su pasión callada y no sólo insinuada. Su madurez creativa es la que exponemos ahora en nuestro espacio. Por ello estamos contentos de llegar en el momento adecuado de su evolución como artista.    

espacioBRUT presenta una selección de obras compacta y ágil, que permanecerá colgada hasta Navidad y a la que auguramos todo el éxito que el público sensible y amante del arte de calidad pueda brindarle.

Nuestro agradecimiento a Adolfo Blanco Osborne, el cual acertó con su sugerencia y nos trajo al artista.

Braulio Rodríguez. espacioBRUT


En palabras de Juan Manuel Sánchez: 
Crear es zambullirse en territorios siempre desconocidos. También crear es descubrir o simplemente transitar por ámbitos en cierta medida estructurados. Ése conflicto entre estructura y territorio por descubrir es en el que personalmente me siento más cómodo.
Crear es descubrir espacios, ya sean figurativos o abstractos, por tanto la narrativa del arte es inagotable. En ese viaje utilizo todo lo que encuentro, pero no todo lo que encuentro me sirve. En eso radica mi fascinación por el trabajo artístico.  


INAUGURACIÓN: SÁBADO 15 DE NOVIEMBRE DE 2014, DE A PARTIR DE LAS 18 H

_Juan Manuel Sánchez. Alcalá de Henares, Madrid, 1956. Tesis Doctoral, Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid. “Andrea D’Odorico: Un arquitecto del Espacio”. Master en Gestión Cultural (Tercer Ciclo Universitario) Universidad de Alcalá. Es también Licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. RESAD Ha participado en diversas exposiciones y ferias, en galerías de Madrid, Barcelona, Valencia, Granada o Ibiza.

10.18.2014

13 TEXTILES TRIBALES PARA UN HOGAR CONTEMPORÁNEO












Siendo estudiante de arquitectura, allá por el siglo pasado, recuerdo haber interpretado, en un examen de dibujo técnico, la Villa Mairea. Enterita. Delineando con el rotring todas sus puertas y ventanas, sus pavimentos, los árboles que la rodeaban…La imagen surgió después, cuando la vi en fotografías, tal como era; con el mismo aspecto que sus moradores, los Gullichsen, la habían conservado: con las obras de Marie en las paredes, los muebles de Alvar Aalto, las alfombras… Fue la primera vez que vi una Beni Ouarain, pero apenas presté atención… 
El paso del tiempo, la madurez, el amor por lo bello, han traido a mi casa, quizá por deseo inconsciente, una pieza antigua, semejante, … y ese recuerdo pervive en mi como una premonición.

Como profesional, casi no concibo un espacio domÉstico sin un textil como los que estudioH ahora nos muestra. Han de ser considerados y tratados como obras de arte, pueden tenderse sobre el suelo o colgarse de la pared. Tienen su propia función de aportar calidez, belleza y ese lenguaje secreto e indescriptible que las hace protectoras del hogar.

Bajo este enfoque a la vez práctico, a la vez poético, nos complace dar argumento a una nueva exposición sobre el textil tribal y su perfecta integración en el espacio de nuestras casas. 
Admiremos un fantástico hanbel o un espactacular tacheh, descubramos en un filikli su morbida sencillez, la sofisticada y refinada desnudez de un asachu… Imperfectas, sencillas, útiles, bellas, evocadoras de paisajes escritos y soñados como los de Bowles o Lawrence de Arabia…
Pero… ¡qué poco modernos somos! Si ya hace casi un siglo que cubrían los suelos del Pabellón de L’Esprit Nouveau. Si las hemos visto en la casa de los Eames, en la de los Girard, en obras de Gropius y Le Corbusier, en apartamentos y grandes casas de Nueva York o de Copenhague…

Más de una docena de piezas únicas, tejidas en telares enormemente sencillos para su uso familiar, forman parte de esta selección que José Luis Herrero ha pensado para espacioBRUT. Por ello, como alternativa a lo rutina de lo cotidiano, es un placer poder admirar esta gran colección, única probablemente en nuestro país y su diálogo incontenido con nuestras propias piezas de diseño, tal como son. Nos sorprenderá su inmediata integración en el espacio, conviviendo con nuestros muebles, perdurando siempre con nosotros.
Braulio Rodríguez. espacioBRUT

En palabras de José Luis Herrero, director de la galería estudioH: 
Y ¡por qué no utilizar un textil tribal a modo de moderna “pintura tejida” para que capture nuestra mirada y dinamice cualquier espacio contempor‡neo que se precie? 
Textiles tribales que siempre están en el punto de mira de los más  avezados “cazadores” de belleza “pura”: arquitectos, anticuarios, coleccionistas… 
Textiles tribales… ¡Por algo será!
  
INAUGURACIÓN: SÁBADO, 18 DE OCTUBRE, DE 18-20,30H 



9.25.2014

BALANCE, Kaufman + Maselli









BALANCE es atrapar un instante preciso y deseado para que una serie de circunstancias contenidas resuelvan la imagen. La acción está a punto de concluir, de caerse el elemento puesto en equilibrio durante unos segundos…
Aparentemente esta lacónica respuesta del tiempo se vuelve a favor de ellos, de Fernando MASELLI (Buenos Aires, 1978) y de KAUFMAN (1975, Hitchin, Inglaterra), que han sabido dotar el momento de una expresividad natural pero obviamente meditada.
Las fotografías, base de la obra, son tomadas por Maselli en barrios abandonados, a medio construir. Estos espacios serán intervenidos por Kaufman antes de ser fotografiados, con la utilización de elementos encontrados. Dichos elementos fusionarán su fisonomía geométrica con el entorno que les rodea. De este modo, las imágenes contendrán una serie de patrones formados por figuras geométricas que más tarde serán enfatizados y combinados a través del color. Fotografías hechas en la frontera difusa entre el olvido y el recuerdo, donde la ausencia humana enfatiza aún más el abandono, y, sin embargo, queda una soledad inquietante. 
El brutalismo de estos espacios sin acabar, como son las obras de construcción, aporta tal dosis de belleza, que interponer una metáfora más ser’a redundante, pero subrayar con un aporte intelectual tal expresividad dependerá del juego gráfico final. El color de las formas geométricas que se superponen a un momento apunto de desvanecerse, entre la realidad y la ficción, es el que remata con gran sutileza este argumento, este BALANCE.
Por otro lado, Convex Tangram, de Kaufman, como contrapunto, pone de relieve con sus piezas el efecto simbiótico a la exposición mediante pedazos de encofrados recogidos en las anteriores escenografías y que combina, reutilizándolas, siguiendo las formas de este antiguo juego chino.
_El Tangram está compuesto por siete piezas (5 triangulos, 1 cuadrado y 1 romboide) con el cual se pueden formar cientos de figuras y siluetas. Y una figura es convexa cuando eligiendo dos puntos dentro de ésta y uniéndolas mediante una linea, esta linea también se encuentra dentro de la figura. Solo existen 13 figuras convexas realizadas con un tangram demostrado por Fu Traing Wang y Chuan-Chih Hsiung en 1942._ 
espacioBRUT se alegra de abrir nueva temporada con la presentación de este proyecto, desarrollado bajo el comisariado de Óscar García García y de PAC y que podrá verse durante estas próximas semanas. Es una suerte contar con una exposición tan afin a nuestra filosofía y nuestra línea de trabajo, que este año precisamente cumple 5 años y que nos gustaría que compartieses con nosotros. 
Braulio Rodríguez. espacioBRUT 

BALANCE ha sido comisariado por Óscar García garcía (PAC)

INAUGURACIÓN: SÁBADO, 13 DE SEPTIEMBRE, DE 18-20,30H 

La obra de KAUFMAN se basa principalmente en tres conceptos: lo urbano, la abstracción y la geometría. Dentro de este juego de signos abstractos cobra gran importancia lo lœdico, proponiendo una reflexión sobre la reinvención del mundo en la que participe el espectador. El reciclaje y la reutilización están muy presentes en sus creaciones. Aunque en su trabajo podemos ver influencias de artistas consagrados como Mondrian o de emergentes del post-graffiti, confiesa que su mayor influencia es nuestro entorno, ya sea relacionado con lo urbano como con los nuevos medios en los que vivimos otra realidad. Ha realizado trabajos y expuesto en ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia, Alicante, Girona, Londres, Bélgica, entre otras.


La obra fotográfica de FERNANDO MASELLI ha estado siempre ligada al paisaje, ya sea urbano o natural. Sus primeras series tienen un denominador comœn, Madrid, en ellas subraya el efecto pictórico gracias a las variantes de color que son resaltadas respectivamente mediante juegos de luces y sombras; y, por otro lado, utiliza y ordena un elemento como valor arquitectónico: el espacio fluyente, o vacío que recorre y sensibiliza con medida los intervalos que quedan libres entre la materia. Entre 2011 y 2013 desarrolla el proyecto Hierofanías, que constituye una aproximación intelectual y empírica al trabajo del filósofo Mircea Eliade, quien acuñó este término para referirse a la toma de conciencia en la naturaleza de la existencia de lo sagrado. Actualmente está desarrollando un proyecto en alta montaña, en el que intenta abordar el concepto de lo sublime y la posibilidad de su plasmación en un lenguaje artístico contemporáneo. La obra de Maselli ha sido reconocida y expuesta en varios certámenes nacionales e internacionales: W-CA Contemporary Landscape Photography Open (UK), Premio Joven Artes Plásticas, Universidad Complutense (España), Convocatoria Internacional de Jóvenes Artistas, galería Luis Adelantado (España).



BALANCE: Equilibrar lo desequilibrado

El equilibrio mecánico es un estado estacionario en el que se cumple alguna de estas dos condiciones:
• Un sistema está en equilibrio mecánico cuando la suma de fuerzas y momentos sobre cada part’cula del sistema es cero.
• Un sistema está en equilibrio mecánico si su posición en el espacio de configuración es un punto en el que el gradiente de energía potencial es cero.

Las piezas creadas por KAUFMAN y MASELLI logran un estado estacionario en el que sus características no varían con el tiempo. Y lo hacen gracias a la fotografía que convierte un momento fugaz de equilibrios imposibles en un balance eterno. 
La sensación contradictoria de desequilibrio y estabilidad seduce al espectador en un trampantojo de simetr’as y proporción. Tensiones estructurales, que en silencio de la soledad, caminan por la cuerda floja en un entorno arquitectónico de abandono invadido por esculturas de reutilización, color y esperanza.
La serie BALANCE capta un momento ef’mero e irrepetible que deja de lado la función documental de la fotografía en el arte urbano, para convertirse en obra en sí misma. El entorno es transformado, modificado y capturado instantáneamente para ser de nuevo intervenido. El resultado final es una pieza donde el espacio arquitectónico es contaminado escultóricamente, y la fotografía pictóricamente. Una alteración del medio que en lugar de perjudicar parece purificar el contexto. 
La perspectiva, la luz, los colores y la distribución crean escenografías inquietantes desnudas de figuras humanas. Equilibrios que tratan de lo humano, pero a través de las cosas que nos rodean, creando del artificio una realidad suspensiva. 

Óscar García García




6.06.2014

MORADA, de Rosario Trillo







El paso de los años parece consolidar la dura tipología habitacional de los barrios de la periferia; entes vivos que han ido adecuando su crecimiento orgánico y descontrolado al cambio social y generacional de miles de habitantes desplazados desde los años del desarrollismo. Ciudades encerradas en sí mismas, en su realidad aislada…  Este ensimismamiento, que se mueve entre perversas políticas de falso progreso, se ha traducido finalmente en muros virtuales que encierran sus guetos.
En palabras de Kenneth Frampton, “El crecimiento sin límites no hace ciudades. Es un reflejo del consumismo…”
Rosario Trillo constata esta realidad con una mirada inteligente y esclarecedora de lo que es y no de lo que debería ser. Bajo un punto de vista, sin duda político, pero también sentimental, la exposición que ahora presentamos pone el dedo en la llaga y va más allá del hecho físico que se descubre entre el caos y la fealdad.
El reciente trabajo de Rosario Trillo, asegurado por una trayectoria artística sólida y más coherente de lo común, no obstante, emprende ahora un cambio de rumbo estilístico desde la éica y la conciencia social, desde lo entrañable de la nostalgia universal de ser humano, a la sórdida realidad.    
Prejuicios fuera para llegar a nuestra exposición número treinta con esta muestra de dibujos, maquetas y una gran impresión digital sobre papel de plano, que podrá verse hasta entrado el verano.      
Braulio Rodríguez 

“De regreso a la morada, ahora ya con conciencia espacial, intento descubrir la belleza que se esconde detrás de lo homogéneo y despiadado de los océanos de bloques que inundan el extrarradio. Los edificios de la periferia y sus espacios sociales, el ámbito natural de la clase media, edificaciones donde no se tuvo en cuenta la proxémica y que no son sino una metáfora de la rutina y la domesticación, además de una especie de taxonomía que favorece el control de los que allí moran. El espacio del que, de manera ingenua, intentamos apropiarnos (aunque nos haya sido impuesto) y que condiciona nuestra conducta. 
Imagino cómo se podría manipular este espacio de acuerdo con la realidad social del contexto. 
De esta idea surge una serie de dibujos y maquetas que remedan el delirio de la arquitectura paisajista de parterres (propio de la realeza y la aristocracia) pero llevados a barrios bajos y cuyo diseño imita la geometría molecular de algunas de las drogas que se consumen habitualmente en ellos.” Rosario Trillo

DEL 7 DE JUNIO AL 16 DE JULIO



4.25.2014

EN KOBENHAGEN / UN COPENHAGUE by Maj Persdatter







La belleza secreta de los textiles orientales, del estudio y la etnografÍa desde la visión de un europeo abarca una investigación compleja pero llena de significados, casi criptográfica y envuelta en halos de misterio que nos cautivan por estas latitudes. Incluso más, tratándose de una artista danesa cuyas fronteras no rozan, como nosotros, otra civilización continental como la oriental y su influencia histórica en nuestra sociedad y nuestra cultura. Por ello es por lo menos fascinante, además de inquietante, el trabajo de Maj Persdatter. Su aportación al universo que envuelve la imaginería de la tradición textil oriental es el motivo de la serie EN KOBENHAGEN, como expresión cultural muy específica y lejana de la tradición europea, más ocupada en el ornamento decorativo. 
A través de lenguajes escondidos pero presentes, extrae y codifica, mediante un lenguaje actual de formas y colores, mensajes que van más allá del folcklorismo y que la llevan a la comprensión expresiva de la alfombra oriental y su mundo narrativo, tan diferente al nuestro. 
espacioBRUT tuvo el placer de descubrir y de invitar a Maj Persdatter a traer a Madrid este genial trabajo y a mostrarlo por primera vez fuera de Dinamarca. Nosotros se lo agradecemos y pensamos que no es habitual una exposición de estas características. 
Además de los textiles impresos sobre algodón, que constituyen la serie que da título a la muestra, la serie THIS HOLY PLACE puede fascinar a quien busque una expresión más gráfica y familiar, a través de la impresión sobre papel, de los mundos por los que discurre la iconografía colorista y geométrica de las alfombras orientales combinada con figuras antiguas de culturas primitivas. Un Santo Lugar, un estado de ánimo para la contemplación… En definitiva, una visión tan refinada de la cultura ancestral universal que muchos deberían al menos conocer. Por ello, os invitamos a descubrir ambos argumentos en nuestro espacio en estos días de primavera.
Braulio Rodríguez 

“He estado trabajando durante años sobre la alfombra oriental tradicional; tratando de crear una alfombra moderna, con nuevas técnicas. Fascinada no sólo por su belleza y su técnica, sino también por su extraña estética, que tanto me atrae como me repele y que dista mucho de la de estilo escandinavo con que me crié.” Maj Persdatter

3.13.2014

LA LLAVE DEL CIELO ES EL TEMPLO DE NUESTRO CUERPO, de José M. Hortelano-Pi






…Física, química, relaciones matemáticas, metafísica, magia… Todo está tan interrelacionado en la naturaleza que el ser humano podría fácilmente ser considerado como un simple mineral a estos niveles. Reducido a este escalón de entendimiento es cuando surge el punto de partida del argumento que Hortelano-Pi presenta en nuestra siguiente exposición. Se trata de una visión más mística. De una cosmogonía gráfica, nace un corpus bien estructurado desde un universo propio que surge con la necesidad evolutiva del artista. Conocíamos a un retratista fiel, desde su deslumbrante habilidad como dibujante, constatando el último detalle, hasta adoptar un lenguaje más suelto, más naturalista, pero sin permitirse imperfecciones; hemos percibido en él un cambio natural y saludable, seguramente orientado a un futuro profesional casi definitivo, dentro de lo que su juventud permite...
La secreta conexión entre las obras constituye el nudo argumental de este proyecto, meditado y razonado durante estos pasados meses por un autor centrado siempre en la calidad de lo que emprende.

espacioBRUT celebra la llegada de la primavera con esta muestra vitalista y honesta, sencilla, pero a la vez compleja, a través de una docena de dibujos realizados sobre papel, con técnicas que van desde el dibujo a lápiz, la acuarela, la tinta. En ella se suceden imágenes antropomórficas, familiares a nosotros y otras más lejanas pero reconocibles en lo más profundo de nuestro entendimiento.

“Durante el œltimo año he pasado por un proceso de trasformación física y espiritual. He perdido todo el pelo de mi cuerpo y a la vez me he vuelto a conectar a conceptos que tenía olvidados pero que siempre me han interesado. La naturaleza, la genética, la astrofísica y la antropología son materias que desde pequeño me han fascinado. Con esta muestra de dibujos quiero volver a recuperar esos temas e intentar conectar mi cuerpo con los animales, las plantas y las estrellas. Es un pequeño renacer a una nueva temporada de mi vida con dibujos de trasformación y vitalidad que espero motiven a los que lo vean a fomentar su polaridad positiva”.


__José Manuel Hortelano-Pi. Murcia, 1979.
Ilustrador y retratista desde hace casi 10 años. De formación prácticamente autodidacta, su experiencia la ha ido ganando trabajando para revistas como Rolling Stone, Calle 20 o El País. 
Su obra se centra en el retrato, al que dedica gran parte de su actividad actual. Una muestra de su trabajo se ha visto en exposiciones como "Voy a tener Suerte" (MUTT, Barcelona, Marzo 20011), "Landscapes" (Atenas, Febrero 2012) o la retrospectiva que se hizo de su obra en La Rambleta, Valencia, en Junio del año pasado.
Ha publicado dos libros con la editorial Romboide, "Onán" (ganador de un LAUS de Plata en el 2011) y "Landscapes" con los dibujos de su primera exposición internacional.
La cerámica y la videocreación es también parte de su trabajo. Su colección de cerámicas "DEN" en colaboración con el Centro Cerámico de Talavera o los cortos de animación que está preparando son muestra de su diversidad artística.




2.06.2014

espacioBRUT participa en Box_Pop





RETRATO DE DORIAN es el título bajo el cual espacioBRUT interviene en la actual edición de Box_Pop, en DIMAD. En esta tercera edición, comisariada por Lucinda Morrisey y con el tema Forever Young, participa junto a otros cuatro estudios.

Se trata de una visión conceptual de la eterna juventud a través de nuestra interpretación plástica del personaje de la novela de Wilde y su relación con el espacio que proponemos.

Como estudio de diseño, interiorismo y galería de arte, concebimos el proyecto desde el punto de vista multidisciplinar, mediante una maqueta a escala 1:10 de un lugar imaginario delimitado por el espacio del cajón. Es casi un santuario donde contemplar el retrato en un interior, de planta rectangular áurea, ocupado sólo por una de nuestras sillas delante del cuadro, obra de José Manuel Hortelano-Pi y una celosía lateral que envuelve el espacio. 
La viruta de madera que lo rodea bien puede representar la piedra del lugar, el mar en que queda atrapado un pedazo de tiempo. 


RETRATO DE DORIAN PORTRAIT OF DORIAN is the title under which espacioBRUT involved in the current issue of Box_Pop in DIMAD . In this third edition , curated by Lucinda Morrisey and below the theme Forever Young, we participate with other four studies.

This is a conceptual vision of eternal youth through our plastic portrayal of Wilde 's novel and its relation to space that we propose.

As a design and interiors architecture studio and art gallery, We conceived the project from the multidisciplinary perspective , using a 1:10 scale model of an imaginary place delimited by a wooden box space . It's almost a sanctuary where you can contemplate the portrait in an aureum rectangular shape interior, occupied only by one of our chairs in front of the picture , painted  by José Manuel Hortelano -Pi and a lateral lattice that surrounds the space .
The wood chips surrounding it may represent stone , as the sea that remains trapped in a piece of time .

1.30.2014

espacioBRUT presenta CANDELA, de Justine Foord



©JUSTINE FOORD 2013

Qué tiene de extraño suponer que un paisaje, un fragmento de la vida cotidiana en un campo de cañas de azúcar, en Cuba, fotografiada con un teléfono, fuese el argumento para hacer una exposición al otro lado del océano. Quizá captar ese momento, en que el fuego devora los campos antes de la recolección de la caña, resulte raro en otras latitudes. Justine Foord estaba allí y lo que tiene de particular es haber atrapado con un iPhone el espíritu casi místico de la unión entre el fuego y el cielo, del horizonte, la carretera y la línea de los campos.     
A partir de aquí el proceso es laborioso pero va perfilándose en la pantalla del ordenador mediante un cuidado proceso. Ahí es donde Justine lleva a su terreno el resultado final de la experiencia; una labor de años y el crecimiento de un sentimiento que subyace en cada una de las fotografías que presentamos; un sentimiento que le ha acompañado desde el mismo viaje a la isla donde la fuerza del trabajo de los hombres, el calor de las llamas y el inmenso cielo roto, quebrado por las nubes, pudo producir en ella una experiencia catártica y difícil de reproducir en nuestro mundo.
El retoque digital destapa, capa por capa, todas esas sensaciones y huellas que el trabajo, la rabia y el sufrimiento de una sociedad empobrecida colorean en cada píxel.
espacioBRUT exhibe CANDELA en doce fotografías panorámicas, impresas sobre papel Luster y una sobre gesso y aluminio. Espectacular, intensa.
Braulio Rodríguez

Conocí a Justine hace ya diez años, fue lo que llamaríamos amor a primera vista. Yo acababa de llegar a Londres, era mi primer día de trabajo con los fotógrafos Mert y Marcus. Justine llamó mi atención inmediatamente. Es una de esas personas carismáticas que uno encuentra en el camino de la vida, risueña y sensible; desprendía ese “je ne sais quoi” por el que siempre me he sentido atraído. Después de dos años, Justine decide comenzar su carrera en solitario, perdiéndole el rastro durante algo más de seis meses. Y la vida vuelve a juntarnos mientras caminamos por el Soho de Londres. Le escribía un mensaje de texto y sin haberlo terminado, allí mismo nos reencontrábamos. Desde aquel momento no nos hemos separado; durante los últimos 7 años hemos sido y somos amigos, compañeros de piso y  de trabajo. 
Necesitaría un libro para escribir sobre Justine: fue uno de los pilares más importantes al comienzo de mi carrera y su sensibilidad artística siempre será para mí una fuente de inspiración. Su visión de la vida, su pasión por la fotografía y el color, su entendimiento de lo humano, la convierten en una artista íntegra.
CANDELA es una obra conmovedora y, como gran conocedor personal de la artista,  llena de trocitos de Justine, de  fuego, de color, de pasión y de su profundo amor por Cuba. Una celebración de su visión que no cesa de alimentar la de otros.
Miguel Reveriego


Justine Foord vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. Nació en el sur de Inglaterra y tiene una fuerte conexión emocional con Cuba, donde CANDELA vió la vida. La carrera de Justine con éxito comercial en la foto aerografía (retoque), estableció estrechas colaboraciones con los mejores fotógrafos de moda/belleza y celebridades del mundo, por nombrar algunos, Miguel Reveriego, Mert and Marcus, Patrick Demarchelier, Sølve Sundsbø, Bryan Adams, Steven Meisel, Mario Testino y Terry Richardson. El trabajo comercial de Justine es reconocido por su aguda sensibilidad a las variaciones infinitesimales de la transmutación del color. CANDELA es su primera exposición individual de la serie fotográfica original .


PRODUCCIÓN: FACTUM arte.
AGRADECIMIENTOS: Damían López, Rafa Rachewsky

1.16.2014

A FAMILY by Minjia Wang






Minjia Wang ha trabajado en este proyecto durante su estancia en la Musashino Art University de Tokyo la pasada primavera y ahora nosotros lo exponemos en espacioBRUT. A FAMILY trata de varios prototipos cerámicos, con diversos acabados, como ejemplo de todo su trabajo. Inspirados en las muñecas rusas, una dentro de la otra y representando la figura paterna, materna e infantil… Cada jarrón no es sólo un recipiente sino también una etapa del ikebana japonés. Tres es número de suerte en la cultura japonesa y símbolo de unión familiar en la cultura china. 
Minjia estudia actualmente Artes aplicadas en la Escuela de Artes Aalto de Helsinki.

Minjia Wang has worked in this project during her Japanese exchange study in the Tpkyo Musashino Art University the past spring. Now we exhibit it in espacioBRUT:
A FAMILY: inspired by Russian nested dolls, they could be placed one vase inside the other, but concluded with three diferent figures as baby, mother and father. As vase is not a vessel but also a stage of ikebana. Three is one lucky of numbers in Japanese culture, as well as a symbol of family in the Chinees culture.
Minjia Currently studying for her Master degree at School of Arts, Design andArchitecture,Aalto University Department Applied Arts



1.15.2014

presentamos el nuevo sillón03 BRUT




presentamos un nuevo mueble: el sillón03BRUT©. Tapizado en piel flor, nobuk o tela Kvadrat. Una butaca de lectura, charla o descanso.

now introducing a new piece of furniture: sillón03BRUT©. Upholstered in leather, nobuk or Kvadrat fabric. An armchair to reading, chatting, resting…

Photos courtesy ©JUAN BARAJA